Сумка в стиле “оп-арт”: валяние пошагово с фото

Стиль оп-арт

Мода прекрасна и удивительна тем, что порой она совершенно непредсказуема. Это качество всегда роднило ее с женской натурой. И хотя большинство известных законодателей моды-это мужчины, женщины первыми подхватывали все их новинки и невероятные выдумки.

Его нельзя спутать с другими стилями, так как даже визуальное восприятие отличается от всего того, что Вы видели раньше. Стиль оп-арт (сокращенный вариант optical art-оптическое искусство) пришел в моду из одноименного течения в изобр азительном искусстве. Его основателем считается парижский художник венгерского происхождения Виктор Вазарелли (1908 — 1997). Говорят, что в его картинах есть какая-то особенная музыкальность. Цвета, колорит, который он использовал можно сопоставить с музыкальным рядом. Вазарелли применял особую печатную технику, многократно накладывая слои красок с помощью трафарета. В результате получалось живописное полотно. Большинство картин Вазарелли-это оптическая иллюзия, с помощью которой он создавал трехмерное пространство. В 1938 году вышла одна из его самых известных работ в стиле оп-арт «Зебры».

Главное отличие этого стиля в использовании различных зрительных иллюзий, основанных на особенностях восприятии плоских и пространственных фигур. Если рисунок, который Вы видите плывет перед Вашими глазами или разбегается в разные стороны-это не что иное, как оптическая иллюзия.

Своеобразное игровое поле, которое можно рассматривать долгое время, попадая в некий «третий мир». В оптической живописи простые однотипные элементы располагаются так, чтобы дезориентировать глаз, не допустить становления целостной структуры.

«Чистый цвет и чистая форма могут вместить в себя весь мир «. Виктор Вазарелли.

Линии, треугольники, квадраты, круги, ромбы и другие геометрические фигуры-основа этого направления. Они переплетаются и пересекаются между собой, сочетаются невероятным образом, создают новые формы и завораживают взгляд. Сумасшедшие 60-е на лету подхватывали все новое и необычное. Свободные, футуристические тенденции легко вписывались в действительность и конечно находили отражение в моде. Далеко не всем дизайнерам это было по вкусу, но те, кто осмелились внести неожиданные краски в женские образы были приняты на «ура!». Эти оригинальные принты использовали в своих коллекциях Андре Курреж, Мэри Куант , Лари Олдрич.

Американский журнал Vogue всегда подхватывал самые смелые идеи, способствуя продвижению новых тенденций среди своих читателей. Американские дизайнеры первыми вывели стиль оп-арт на мировые подиум.

После 60-х годов стиль оп-арт не всегда был на пике популярности, но время от времени он переживает свои новые рождения. Дизайнеры вносят в него современные нотки, что придает ему актуальности и в наши дни.

Оп-арт может быть черно-белым, а может играть всеми цветами радуги, все зависит от настроения. Правильные на первый взгляд фигуры приобретают под час сюрреалистические формы. Этот стиль сочетает в себе четкую математику и образное мышление. Он отлично вписывается в век технического прогресса. Одежда в стиле оп-арт отличается использованием тканей с геометрическими рисунками, абстрактными орнаментами, яркими, насыщенными, контрастирующими друг с другом цветами. Она не должна быть сложного покроя, так как с такими принтами его сложно будет разглядеть.

Если в костюме присутствует одна вещь в этом стиле, то другую лучше выбрать в однотонной гамме, чтобы не перебивать впечатления от рисунка. А если это платье, то подобранные к нему аксессуары также лучше взять более спокойные. Яркость должна быть умеренной, а не кричащей. Это касается повседневного жизненного образа, который отличается от подиумного варианта, броского и эпатажного.

Ткани используются самые разнообразные, от плотных, держащих форму до легких и воздушных. Многие известные бренды обращаются к этому стилю, такие как Марк Джейкобс, Луи Виттон, Michael Kors и другие.

То, что это не скучный стиль, в этом нет никакого сомнения, но не стоит забывать, что не везде он уместен. На работе его вряд ли можно использовать, иначе у Ваших коллег может закружиться голова не от работы, а глядя на Вас). Но если Вам надо произвести гипнотическое воздействие на партнера по переговорам, одев наряд в стиле оп-арт Вы можете заранее быть уверенной в своей победе на 80 % ).

Скорее это все таки одежда для отдыха, прогулок и активного образа жизни, так как сами рисунки располагают к этому. Хотите выглядеть ярко и загадочно, приковывать к себе взгляд окружающих-оденьтесь в этом стиле. Творческая вечеринка, посещение художественной выставки, путешествие-подходящие случаи для оп-арта.

Расскажите своим друзьям про этот геометрически-завораживающий стиль, возможно, он станет для них новым открытием?

А для тех, кто дочитал статью до самого конца, небольшой презент). Предлагаю Вашему вниманию забавный клип, в котором Вы сможете увидеть сто оптических иллюзий.


Стиль оп-арт – оптическое искусство

Оп-арт (или оптическое искусство) – это течение абстракционизма, главным объектом которого являются оптические иллюзии, созданные с целью обмануть глаз зрителя. Это течение тесно связано с кинетизмом – направлением в современном искусстве, фокусирующемся на создании движения или его иллюзии.

Оп-арт использует главным образом геометрические фигуры, расположенные в четкой математической проекции так, чтобы создавалась иллюзия движения, глубины или колебаний. Первые работы в этом направлении создавались с использованием ахроматической палитры цветов (белый, черный и серый), которая позволяла добиться идеального контраста.

Принято считать, что основоположником течения является французский художник-кинетик Виктор Вазарели. Оп-арт также связывают с абстрактным экспрессионизмом, кубизмом и дадаизмом.

Исторический контекст

На протяжении многих веков художников интересовала теория восприятия цвета, формы и перспективы. Чтобы усовершенствовать технику живописи, мастера стали изучать оптические эффекты и иллюзии. Специфичность визуального восприятия стала основой импрессионизма, а интерес к геометрическим формам положил начало кубизму.

К середине XX века все эти интересы, подпитанные развитием психологии и беспрецедентным техническим прогрессом, вылились в новое течение. Шедевры оптического искусства создаются из абстрактных форм, находящихся в резком контрасте с фоном, таким образом, получаются эффекты, которые одновременно запутывают и стимулируют визуальное восприятие зрителей.

Самые первые выставки привлекли внимание широкой интернациональной публики. Многим посетителям казалось, что оп-арт является идеальным направлением искусства для современного мира с его новыми достижениями в технике, психологии, медицине, цифровых и телевизионных технологиях.

История возникновения оптического искусства

Впервые термин “оп-арт” был использован художником и писателем Дональдом Джаддом в критическом обзоре выставки Джулиана Станчика «Оптические картины». Новое название было быстро подхвачено Times – статья, посвященная этой же выставке, окончательно укрепила оптическое искусство как отдельное направление и наградила его звучным именем.

Несмотря на то что корни этого течения прослеживаются еще в первых теориях цветового восприятия, современный оп-арт возник под влиянием работ Виктора Вазарели, который одним из первых стал изучать оптические иллюзии, возникающие при определенном расположении фигур на холсте.

The Responsive Eye – апогей оптического искусства

В середине XX столетия серия международных выставок привлекла внимание к работам в таком стиле, как оп-арт. Вазарели и его идеи заинтересовали не только общественность, но и других художников, которые увидели в оптических иллюзиях смешение традиционного искусства и современных возможностей и интересов. В 1965 году в знаменитом Нью-Йоркском музее современного искусства (MoMA) прошла выставка под названием The Responsive Eye. Среди представленных 123 экспонатов были не только работы Вазарели, многие другие представители оп-арта получили возможность показать публике свои оптические иллюзии. Среди них были такие художники, как Бриджет Райли, Франк Стелла, Карлос Крус-Диез и Хесус Рафаэль Сото.

Общее представление об оптическом искусстве

Представители оп-арта были заинтересованы возможностями человеческого глаза и зрительного восприятия, именно для этого они создавали разные композиции, позволяющие исследовать феномены оптического восприятия и реакцию зрителей. Такие эффекты, как комбинационные искажения, ослепление, остаточные изображения, используют точно просчитанное расположение форм, цветов, яркости и контраста, чтобы стимулировать человеческий глаз.

В основном художники оп-арта использовали ахроматическую палитру, мотивируя это тем, что чем сильнее контраст, тем четче иллюзия. Без использования контуров на черно-белых полотнах тяжелее всего определить, какой цвет является фоном. Однако цвет часто становился инструментом для создания оптических иллюзий, поскольку различные оттенки добавляют глубину изображению так же, как и контраст между оттенками различной интенсивности предлагает новые возможности для экспериментов.

Читайте также:  Комнатные валеночки для малыша.: валяние пошагово с фото

Несмотря на странные и неожиданные эффекты, оп-арт полностью соответствует канонам высокого искусства, так как все классические полотна используют иллюзию глубины и пространственного изображения. Оптическое искусство расширяет традиционную иллюзорность, рассчитывая на психологические правила визуального восприятия.

Как создаются оптические иллюзии

Оптическое искусство (оп-арт) как отдельное движение опирается на физиологическую и психологическую связь между органом зрения (глаз) и органом восприятия (мозг и нервная система). Определенные узоры и геометрические композиции способны повлечь за собой разногласие между двумя этими органами, таким образом, создавая иррациональные оптические эффекты и иллюзии.

Эти эффекты можно разделить на две основных категории:

  • Иллюзия движения – вызвана специфическим расположением контрастирующих геометрических фигур. Эффект воспринимаемого движения легче всего создать, используя черно-белую палитру.
  • Остаточные изображения – заставляют мозг удерживать изображение и проецировать его на чистую поверхность сразу после того как взгляд зрителя покидает объект оп-арта. Такой эффект создается с помощью очень ярких и контрастирующих между собой цветов.

Оп-арт в искусстве

Критики считают, что корни оптического искусства происходят из геометрического абстракционизма, который тоже являлся порождением нового и быстро изменяющегося мира. Однако тенденция фокусироваться строго на визуальных и перцептивных эффектах говорит скорее о том, что большее влияние на стиль оп-арт оказали идеи мастеров барокко, которые затем объединились в технический прием, называемый «тромплей» (trompe-l’oeil). Его называют еще усиленной перспективой или обманкой.

Представители оптического искусства не отличались единым идейным порывом. Одни из них создавали перцептивные иллюзии в качестве эксперимента над человеческим восприятием, другие старались внести искусство в широкие массы, создавая новые, интересные и стимулирующие проекты. Многие художники, выполнившие шедевры оп-арта, не считали себя частью движения, и даже напрочь отказывались признавать его в качестве отдельного, самостоятельного направления.

Основные характеристики

Каждое художественное течение обладает уникальными, неповторимыми характерными чертами. Именно такие черты разделяют работы, принадлежащие кубизму, дадаизму и конструктивизму, вместо того, чтобы объединить их под одним общим куполом абстрактного искусства.

Оп-арт вылился в отдельное течение именно благодаря ряду уникальных характеристик:

  • Главная цель оптического искусства – обмануть глаз зрителя. Композиции построены так, что создается диссонанс между органом зрения и органом восприятия, в результате которого получается иллюзия движения или любой другой оптический эффект.
  • Из-за своих исключительно геометрических форм оп-арт является нерепрезентативным течением, то есть представители оптического искусства не стараются изобразить конкретные предметы окружающей их реальности.
  • Используемые элементы, среди которых цвет, формы и линии, изучены и просчитаны и создают композицию с практически математической точностью.
  • В оптическом искусстве для композиции одинаковое значение имеет как фон, так и первый план.
  • Главными техническими приемами для создания оптических иллюзий являются перспектива и точное сопоставление форм и цветов.

Оценка критиков

Апогеем оптического искусства стала Нью-Йоркская выставка The Responsive Eye. Она пользовалась невероятной популярностью у широкой публики, заинтригованной новым соотношением цвета и формы. Однако критики не удостоили работы и само движение особым вниманием.

Некоторые из художников и критиков, несмотря на новое сочетание науки и искусства, оказались ярыми противниками стиля оп-арт, мотивируя это тем, что выставка собрала работы художников, чьи цели и идеи настолько различны и противоречивы, что они не могут принадлежать одному течению.

Благодаря инновационным и комплексным визуальным эффектам оп-арт получил мгновенное признание публики, однако критики продолжали относиться к нему с недоверием и снисхождением, считая стиль несостоявшимся, мимолетным трендом, обреченным на полное забвение.

Оптическое искусство сегодня

Критики были частично правы относительно мимолетности оп-арта. После 1965 года стиль достаточно быстро растерял свой потенциал. Возможно, причиной тому стало отсутствие общих целей и идейной базы или молниеносный коммерческий успех оптических иллюзий.

Через много лет после апогея оп-арта его репутация продолжает быть противоречивой. Некоторые критики называют оптические композиции «щекотанием глаз», другие сравнивают поп-арт и оп-арт, проводя параллели и называя оптическое искусство абстрактным поп-артом. Сегодня такого рода иллюзии широко используются в индустрии моды, психологии и цифровых технологиях.

Сумка в стиле “оп-арт”: валяние пошагово с фото

Войти

Оп-арт, часть 2

Родилась в Италии в 1927 году.

Выдающийся архитектор и дизайнер.

В 60-е годы преобрела известность как дизайнер, создав несколько ярких работ. Популярная концепция кинетики отражена в проекте столика Tour Fontana Arte (1970).

В 1985 году совместно с Пьеро Кастильони Ауленти разрабатывает системы освещения Cestello. Во внешнем виде этих мощных и уникальных светильников тоже можно угадать черты оп-арта.

К тому же они были разработаны специально для выставочных залов и музеев.

Разработка ваз для цветов

Широ Курамата (1934-1991)

Японский дизайнер и его коллеги-соотечественники во многом составляли поколение выдающихся революционеров в дизайне.

В 1970 году создает необычную форму для комода и называет свое творение Drawers in the Irregular Form.Технология была сложной,поэтому только спустя 18 лет его стал выпускать компания Capellini.

Кресло How high is the moon спроектировано в 1986 году и носит очень поэтичное название – “Как высока луна”.Сетка – излюбленный материал Курамата. Холодный блеск ячеек напоминает о ночном свете луны.

Другие имена (утверждать, что на эти творения повлиял в большей степени оп-арт – смело. Пожалуй, приемы оптического искусства выражены здесь, но не сам чистый стиль 60-х).

Карим Рашид. Шкаф Blend

Гаетано Пеше. Кресло Up

А. Тейлор. Kофейный столик Butterfly

Л. Кепбелл. Very Round Chair

Ж. – М. Массо. Пуф Truffle

И наконец, моя любимая тема

В 60-е годы молодежь стремилась к свободе и раскрепощенности.Отныне парни и девушки хотели выглядеть ярко и экстравагантно.Острый контраст черно-белых пятен, привлекающий внимание принт – всё это оставляло незабываемое впечатление.Оп-арт как нельзя лучше выделял яркую индивидуальность из толпы.

Платья джона Бейтса. 1960

Пожалуй, самыми ярыми поклонниками оп-арта были моды.

Моды – или иначе “модернисты” – как первая субкультура появились в Лондоне в начале 60-х. Они отличались излишним позёрством, гоняли на скутерах по улицам Лондона,позиционировали себя как людей с уникальным вкусом. Моды первыми узнавали о новинках в сфере дизайна, музыки и искусства, считали своим долгом окружать себя стильными вещами.

Излюбленной темой английских стиляг был оп-арт.Оригинальные фотографии модов. 60-е годы

Стиль модов до сих пор единодушнопризнается стилем шестидесятых, выраженный в одежде.

Этот стиль пережил время,в настоящее время существуют целые поклонники такого образа жизни.Люди покупают себе оригинальные вещи в секонд – хендах, в стоках,в магазинах винтажной одежды,а также посещают блошиные рынки.

Стиль мод интернационален.Он также популярен у нас в России.В Москве проходят весёлые вечеринки модов,на которые пускают исключительно в одежде в стиле шестидесятых.

60-е ассоциируются с именем модельера Мери Куант. Молодая англичанка, вращающаяся в кругах стильной молодёжи Лондона,остро чувствовала дух времени.Все лучшие тенденции в одежде модников она воплотила в своих моделях. Хотя, по сути, новая мода -очень короткие платья и пальто,геометрические рисунки и плоская обувь – была рассчитана только на молодых и стройных,к концу 60-х все женщины одевались подобным образом.Молодость стала культом.

Знаменитый парикмахер Видал Сассун делает актуальную прическу Мери Куант

Bazaar -первый магазин одежды Мери Куант в престижном районе Лондона Челси

Мери Куант изначально использовала в своих моделях акутальный рисунок.
Крупные контрастные узоры лучше всего подходили для платьев прямого и А-образного силуэтов.

В одно и то же время в Америке проходят гастроли культовой среди модов группы The Who и выставка The Responsive Eye.Моментально произошло слияние американской и европейской культур. Оп-арт отныне стал бешено популярным среди европейских модников.

Читайте также:  Прекрасное панно из шерсти: валяние пошагово с фото

В 1966 году компания Scott Paper Company изобрела бумажное платье, предназначенное как маркетинговый инструмент в рекламе.За один доллар женщины могли купить платье и также получить купоны со скидками на продукты компании.Бумажное платье, бесформенное и непривлекательное,не было изобретением, к которому можно отнестись серьезно, но женщины удивили компанию, заказав полмиллиона этих платьев в течении года.Многим пришлось по вкусу платье, которое можно легко “перекроить” просто ножницами,а также не жалко выбросить, если оно испачкалось.

Принт из оптических узоров – один из самых популярных рисунков на бумажных платьях.

Бриджет Райли и Виктор Вазарели придерживались противоположных взглядов,
когда дело касалось коммерциализации их работ. В то время, как Вазарели считал,что искусство оп-арт должно быть доступно каждому и художники должны даже сотрудничать с текстильными фирмами, Райли раздраженно реагировала на то, что ее работы используют в коммерческих целях. Она считала, что ее искусство превращают в “вульгарные тряпки” и однажды публично выразила негодование одной нью-йорской марке.Она подала иск в суд, но безуспешно.

Пожалуй, новое искусство первыми оценили текстильщики. Фирмы по производству тканей,нанимали молодых художников для разработки актуальных орнаментов. Новые возможности синтетики (прозрачность, блеск,пластиковые материалы), ее оптические свойства позволяли лучше выразить модные тенденции.

Барбара Браун.
Рисунок для ткани “Экспансия”. Фирма Heal`s. 1965

В 60-е появился знаменитый черно-белый рисунок клетки, который у нас носит название “куриная лапка”.Действительно, структуру клетки составляют элементы-модули, по очертаниям похожими на птичий след. Этот рисунок актуален до сих пор, и часто используется в классической одежде высокого качества. Он же украшает упаковку туалетной воды Miss Dior от марки Christian Dior.

Возможно, именно мотивы оп-арта повлияли на стиль марки Missoni. Итальянская фирма была основана в 1953 году.

Дизайнеры Дома Missoni любят обыгрывать тему оп-арта в разработке текстиля.

Оп-арт когда-то в середине 20 века вызывал шок и удивление.Теперь он стал классикой и многие дизайнеры сейчас находят вдохновение в его черно-белых абстракциях.Целые коллекции одежды посвящаются этому удивительному искусству.

Модели из коллекции осень-зима 2009-10 года молодого дизайнера Кашио Кавасаки посвящены творчеству Бриджет Райли.

К теме оп-арта любит обращаться российский дизайнер Вячеслав Зайцев.
Несколько моделей из коллекции весна-лето 2009 были представлены
на Российской Неделе Моды в Москве.

Плед в стиле “оп-арт”. Описание

Этот оригинальный плед связан по всем канонам модного сегодня стиля оп-арт: он состоит из чёрно-белых квадратов, чередование которых создаёт необычный визуальный эффект. Сам плед выполнен лицевым джерси, а окантовка — платочной вязкой.

Пряжа
Здесь используется смесь шёлка, вискозы и хлопка. А значит, изделие, выполненное этой нитью, обладает прочностью хлопка и блеском вискозы, оно шелковисто на ощупь и ниспадает мягкими складками. Стирать его нужно очень бережно, при низкой температуре. Вы можете подобрать другие цвета, чтобы создать свой неповторимый графический эффект.

Лицевой Джерси
Именно эта вязка используется для вязания данного пледа. Вязка получается за счёт чередования рядов лицевых и изнаночных петель. Ряды, связанные лицевыми петлями, образуют лицевую сторону изделия, а изнаночными — изнаночную. Наберите необходимое количество петель, провяжите первый ряд лицевыми петлями.

Это лицевая сторона изделия.
Поверните изделие и провяжите второй ряд изнаночными петлями. Повторяйте эти два ряда, чтобы получить вязку джерси.

В описании работы вам встретится сокращение такого вида: лиц. джерси. Лицевая сторона изделия (связанная лицевыми петлями) представляет собой плоские петли V-образной формы, а изнаночная (связанная изнаночными петлями) — горизонтальные волнообразные линии.

Простая техника (джерси), однако выполнение жаккардового узора и окантовки по периметру пледа (а он довольно большой!) потребуют некоторой сноровки.

Размер готового пледа составляет 120 х 150 см.
Пряжа
16 мотков по 50 г (50 г = 88 м) пряжи чёрного (А) цвета, состав: 60% шёлка, 20% вискозы, 20% хлопка. 15 мотков такой же пряжи контрастного цвета — белого (Б). Пара вязальных спиц № 5. Круговые спицы № 5, длиной 100 см.

Образец
24,5 ряда по 16,5 петель жаккардовым узором на спицах № 5 = 10 х 10 см.

Выполнение работы:

Вязать двухцветные квадраты лицевым джерси по схеме.
Выполнять жаккардовый узор в технике интарсия, перекрещивая нити с изнаночной стороны.
Связать длинные полосы квадратов, а затем сшить их вместе.
Поднять петли с каждого края пледа и выполнить полосатую окантовку платочной вязкой.

Сокращения
Сп. = спицы; см = сантиметр (ы); пр. = продолжить; лиц. = лицевая; вм. = вместе; общ. дл. = общая длина; изн. = изнаночная; п. — петля; закр. = закрыть; повт. = повторить; вяз. = вязать.

Квадрат №1.Набрать 26 п. нитью А на сп. №5. Нач. с лиц. ряда и вяз. лиц. джерси по схеме. Нечётные ряды схемы (лицевая сторона) читаются справа налево, а чётные (изнаночная сторона) — слева направо. Для каждого цветного участка используется отдельный клубок; при смене цвета, необходимо перекрещивать нити с изнаночной стороны изделия, чтобы не было дырочек.

Провяз. все 38 рядов схемы. Закр.

Квадрат №2.Раб. с лиц. стороны на сп. №5 нитью Б. Поднять 26 п. по кромочному ряду квадрата 1. Вяз. как квадрат №1, изменив цвета на противоположные. Пр. таким образом, пока в первой полоске не будет 9 квадратов.
Вяз. ещё 6 таких полос, не забывая каждый раз менять цвета на противоположные, как показано на схеме.
Сборка
Прогладьте полученные полосы, следуя рекомендациям по уходу за используемой пряжей.
Соедините полосы потайным швом.

Боковые окантовки
Раб. с лиц. стороны на круговых сп. нитью А. Поднять 172 п. по всей длине одной из боковых кромок.
* Вяз. прямо (не по кругу) 1 лиц. ряд. Пр. платочной вязкой, выполняя полоски след. образом: (2 ряда нитью Б, 2 ряда нитью А) 3 раза, 2 ряда нитью Б и 1 ряд нитью А. Закр. лиц. нитью А.*
Точно так же обработать вторую боковую кромку.

Верхняя и нижняя окантовки
Раб. с лиц. стороны на круговых сп. нитью А. Поднять 9 п. с боковой окантовки, затем 175 п. с верхнего края пледа (по 25 п. с кромочного ряда каждого квадрата) и 9 п. с второй боковой окантовки = 193 п. Вяз. как боковую окантовку от * до *. Точно так же обработать нижний край пледа.

Кинетическое искусство и оп-арт /kinetic art and op-art

от /греч./ κίνηση, kinesis – движение (1955-1970-е)

/англ./ optical art – оптическое искусство

Кинетическое искусство – направление в современном искусстве, обыгрывающее эффекты реального движения всего произведения или отдельных его составляющих. Объекты представляют собой движущиеся установки, производящие при перемещении интересные сочетания света и тени, иногда звучащие. Кинетическое искусство зародилось в 20-30-х гг. ХХ в., его представители хотели преодолеть традиционную статичность скульптуры, вписать её в окружающую среду. Опыты создания динамической пластики встречаются в футуризме, дадаизме, Баухаузе и русском конструктивизме. Окончательно течение оформилось в 60-е гг. Теоретики кинетического искусства отдавали предпочтение движению, как средству противостояния бесконечному повторению художественных форм, чреватому “исчерпанностью” искусства, “усталостью” творчества. Их обновление связывается с новыми художественными материалами. Николас Шёффер выдвигает принципы пространственно-свето-хроно-динамизма, как основы кинетического искусства.

Pol Bury “Fontaine”, 1978

Оп-арт – о дна из разновидностей кинетического искусства. Основоположник – Виктор Вазарели. В 1955 г. в Париже оп-арт экспонировала в своей галерее Denis Rene , но всемирную известность оп-арт получил в 1965 году после Нью-Йоркской выставки “Чувствительный глаз” (The Responsive Eye) в музее современного искусства. Оп-арт стремится к достижению оптической иллюзии движения неподвижного художественного объекта путем психофизиологического воздействия на зрителей, их активизации. В отличие от кинетического искусства, произведение и зритель неподвижны. Искомый оптический эффект строится на контрапункте напряженного художественного восприятия, требующего концентрации зрительского внимания, и фактической неподвижности артефакта. Эстетическая специфика Оп-арта, заключается в замене классической перспективы многофокусным видением виртуального оптического пространства. Движение в нем всегда виртуально, а не реально: визуализируется сама его идея. Создается иллюзия “ожившего пространства”, плоскостное восприятие картины разрушается.

Читайте также:  Сказочный кролик в технике сухого валяния: валяние пошагово с фото

Виктор Вазарели “Зебра”, 1950

Имп-арт (англ. imp-art от impossible — невозможный и art — искусство) — самостоятельное направление в оп-арте , нацеленное на изображение невозможных фигур. Представитель этого направления – Мауриц Корнелиус Эшер ( Maurits Cornelis Escher) .

Мауриц Корнелиус Эшер “Из ночи в день, изо дня в ночь”

Широкое применение методов математического программирования трактуется как предпосылка рождения нового типа творца — художника-инженера, стремящегося воплотить в искусстве движение, как таковое, при помощи мобилей, механических приспособлений, оптических феноменов. Широко используются прозрачные материалы, электромоторы, рычаги, пульты управления и т.д. Тщательно сконструированные устройства из металла, стекла или других материалов, соединённые с мигающими световыми устройствами, получили название “мобилей”. Ощущение движения могло зависеть от перемещения зрителя в пространстве, но могло сводиться к возможности зрителя манипулировать предметами. “Запрещается не участвовать, запрещается не трогать, запрещается не ломать” – вот девиз группы “Грав” (группы исследования визуального искусства). Художники предпочитали работать командой. Склонность коллектива к аналитическому планированию сближала с серийным производством и дизайном, отчего в Италии искусство такого рода получило название программного искусства и “открытого произведения”. Последнее У.Эко в 1962 году определил как “форму, составленную из “множества” элементов так, что зритель может самостоятельно устанавливать между ними связи, выбирая свой вариант интерпретации.”

Художники, посвятившие себя кинетическому искусству и оп-арту, задаются различными эстетическими целями. Жан Тингели стремится оживить, гуманизировать машины, борясь с тоской индустриального мира; Пол Бьюри обыгрывает замедленное движение; Хулио Ле Парк использует феномены прозрачности, игры света и теней; Николас Шёффер достигает полисенсорности воздействия; движущиеся магнитные скульптуры Такиса создают иллюзию вечного движения.

Художники: Яааков Агам/Яаков Гипштейн ( Yaacov Agam) , Хулио Ле Парк (Julio Le Parc), Жан Тэнгли (Тингели) (Jean Tinguely) , Николас Шёффер ( Nicolas Schöffer) , Пол Бьюри (Pol Bury), Александр Калдер ( Alexander Calder) , Дэвид Медалла ( David Medalla) , Бриджит Райли ( Bridget Louise Riley) , Хесус Рафаэль Сото (Jesus Rafael Soto), Виктор Вазарели ( Victor Vasarely) .

Группы: “Зеро”, Дюссельдорф (Х.Мак, О.Пенье, Г.Юккер); “Экипо 57”, Париж (А.Дуарте, Ж.Дуар, Х.Куенка, Х.Серрано, А.Ибаролла); “Т”, Милан (Дж.Анчески, Д.Бориани, Дж.Коломбо, Дж.Де Веки, Дж Вариско); “Н”, Падуя (А.Биази, Э.Киджо, Т.Коста, Э.Ланди, М.Массирони); “Грав”, Париж (И.Ле Парк, Ф.Морейе).

Манифест: В.Вазарели “Желтый манифест”, 1955.

Выставки: Галерея Рене “Движение”, Париж 1955; Лозанна Кантональный музей “Движение в современном искусстве”; “Новая тенденция” Загреб, 1961; Музей современного искусства, N-Y, 1965. Тексты: В.Вазарели “Новое искусство, новые идеи, новая техника”, 1954; У.Эко “Открытое произведение”, 1962.

Описание некоторых произведений:

Виктор Вазарели “Биадан”, 1959. Холст, акрил. Венгрия (город Печ), Музей Вазарели. Биадан – типичный пример оптико-геометрических экспериментов Вазарели. Оптический иллюзионизм работы в соответствии с принципами гештальт теории, создает полное впечатление движения. Вазарели утверждает необходимость широкого использования в искусстве, многократно повторяющихся структур. Его графические композиции принесли успех оптическому искусству. Он писал: “Если до сего времени пластическая идея произведения связывалась в первую очередь с мастерством и мифом “уникальности”, теперь она в самой концепции и возможности Повторения, Умножения и Распространения. ” В Биадане невозможно провести границу между фигурами и фоном, здесь достигнуто “пластическое единство”, которое вынуждает сетчатку глаза бесконечно выбирать между черным и белым, негативом и позитивом.

Виктор Вазарели “Биадан”, 1959

Отто Пиене “Licbraum (Световое пространство), 1962. Металлические элементы и электрические лампы. Дюсельдорф, Собрание Отто Пиене. Licbraum или Световые пространства – это ансамбль светящихся пластических объектов. Установленные в темном пространстве, они создают настоящую световую хореографию. Пластические объекты – это сферы и диски из перфорированного металла. Они подсвечиваются изнутри и приводятся в движение мотором, проецируя на стены и потолки лучи света. В этой световой фантасмагории, картина постоянно меняется, вовлекая в свое круговращение публику. Зрение остается преимущественным способом восприятия, но впечатление обогащается при передвижении зрителя в пространстве.

Оп-арт в живописи и искусстве. Картины оптических иллюзий.

Оптическое искусство или Оп-арт (от английского слова optical art ) – направление в художественной живописи второй половины 20 века, отличительными чертами, которого были оптические иллюзии, вызываемые искаженным восприятием форм и фигур расположенных на пространстве.

Течение является логическим продолжением одного из направлений модернизма – техницизма. Основоположником считается французский художник Виктор Вазарели.

С точки зрения науки первые опыты с оптическими иллюзиями появились в конце 19 века. Профессор Томпсон опубликовал статью в научном журнале, в которой в качестве иллюстрации были изображены две круглые плоскости, создающие ощущение движения. В качестве художественного течения оп-арт получил известность у широкой публики в 1965 году на выставке в Музеи современного искусства в Нью-Йорке. Позже по всему миру с успехом проходили коллективные выставки различных представителей этого художественного течения : группа Зеро (Дюссельдорф), группа Т. (Милан) и много других.

Оптические иллюзии основаны на особенности зрительного восприятия человека, это искажение изначально присутствует в механизме созерцания окружающего пространства глазом человека, другими словами изображение присутствует не только в реальности, но и в мозге индивида. Вследствие чего ученные установили, что процесс зрительного восприятия протекает согласно ряду правил, чем успешно воспользовались художники для создания своих работ.

Художница Бриджит Райли в картине «Катаракта-3» создает волнообразный эффект. В другой своей работе «Прямая кривизна» из черно-белых линий она выстраивает вращающееся спираль.

Бриджит Райли. «Катаракта-3». 1967 год.

Оп-арт со временем становится глобальным течением. Художники из разных стран создают оптические картины и проводят коллективные выставки. В Италии это Мари Коломбо, в Испании Дуарте Ибаролла, в СССР Вячеслав Колейчук.

Позже особенности Оп-арта нашли широкое применение в промышленной дизайне, афишах, оформительском искусстве.

Знаменитые работы в стиле оп-арт

Джозеф Альберс . Структурное созвездие. 1913 год. Джозеф Альберс один из основателей оп-арта, немецкий и американский художник, дизайнер, поэт и преподаватель. В этой оптической иллюзии, Альберс экспериментирует с восприятием пространства, играя с расположением линий, он демонстрирует как может неоднозначно восприниматься глубина пространства. Черные прямоугольные фигуры пересекаются друг с другом под разными углами, дезориентируя зрительское восприятие, не понятно, что находится впереди, а что позади.

Бриджет Райли. Пламя.1964 год. Зигзагообразные черные и белые линии создают ощущение кругового вращения. Мозг интерпретирует изображение, чередуя узор, и кажется что круг движется. Сама Райли сказала: “моя работа была разработана на основе эмпирического анализа и синтеза, и я всегда считала, что восприятие является средой, через которую пропускается опыт, полученный в реальной жизни”.

Виктор Вазарели. Duo- 2. 1967 год. Контрастные теплые и холодные оттенки создают неоднозначную иллюзию трехмерной структуры. Они вогнутые или выпуклые? Иллюзия настолько реалистична, что мы забываем, что это всего лишь изображение, а не реальная объемная конструкция.

Хесус Рафаэль Сото. Сфера Парижа. 2000 год. Сото приехал из Венесуэлы во Францию в 1950 году, был одним из немногих южно-американских художников, которые внесли важный вклад в развитие оп-арта и кинетического искусства. Своей формой работа «Сфера Парижа», кажется, бросает вызов гравитации, и напоминает источник зарождения мира и вселенной. Работа создана из тонких резиновых нитей голубого цвета . Сото начал делать такие работы в середине 1960-х годов, и хотя это произведение было создано через много лет после того ОП-арт движение пошли на спад, оно не теряет свое прилекательности и художественной ценности. А сам художник вызывает уважение за творческое постоянство и преданность оп-арту.

Ссылка на основную публикацию